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JAMAICA SUK: TECNO PARA EL CUERPO Y ALMA

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Amante de los sintetizadores modulares, las cajas de ritmos y el tecno, Jamaica Suk nos cuenta sobre su vida y sus gustos musicales.

Jamaica Suk siempre ha estado rodeada de música, bajo la influencia de su abuelo, quien tocaba en bandas de jazz en la década de los setenta, la productora originaria del norte de California tiene entrenamiento en música jazz y con el pasar de los años fue descubriendo su pasión por la música electrónica, específicamente el tecno.

Los ritmos electrónicos se apropiaron de la identidad de Jamaica Suk y eso la llevó a organizar eventos de música underground, se inscribió en la escuela de ingeniería de audio y actualmente tiene su residencia en Berlin, ciudad que vive la cultura de club.

Después de la creación de su estudio en Berlín, Jamaica Suk trabajó intensamente en producir, el resultado final es una experiencia sonora para el cuerpo y el alma.

¿Cómo nació tu interés de hacer música?

Comenzó cuando tenía 6 años, me fui de gira con un familiar que tocaba el saxofón en un grupo de blues en California.

Cuéntanos de tu nuevo EP, Kontort

Kontort fue escrito en noviembre pasado en mi estudio aquí en Berlín, quería crear tres melodías con tonos similares para el mismo estado de ánimo.

¿Qué equipo tienes en tu estudio de grabación?

En mi estudio tengo una consola de 22 FX Allen, pedales de guitarra y bajo. Uso Ableton Live 9 con el Push 2, Pro Tools para la mezclar, el Roland TR8, un secuenciador Dark Time, un Dave Smith Mono Evolver, un Korg Minilogue, un Korg Volca Bass y mi bajo eléctrico.

¿Tienes un sintetizador favorito?

Si, el Prophet 08 o el Pro 02 de Dave Smith Instruments.

¿Cuáles productores o músicos te inspiran? 

Los músicos que me inspiran vienen de mis antecendentes en el rock y el jazz, por ejemplo, Jaco Pastorius, Charlie Mingus, Ray Charles y The Melvins por mencionar algunos. Pero también soy una gran fan de Brian Eno, Steve Reich y Jon Hassell. Con respecto al tecno, mi inspiración cambia constantemente, por el momento te puedo decir que The Zenker Brothers, Developer y Sleeparchive me inspiran.

¿Qué es lo que más te gusta del tecno?

Para mí lo mas delicioso del tecno es el ritmo.

¿Qué haces en un día normal?

Un día normal para mí consiste en café, ejercicio e ir al estudio lo más pronto posible. En la primera hora en el estudio trato de escribir algo que haga fluir mi creatividad, luego continúo editando tracks y trato de enfocarme en el proceso de mezcla y automatización. Mi parte favorita es la creatividad en la producción pero ahorita me estoy enfocando más en la composición y arreglos.

¿Cuál es tu comida favorita?

La comida coreana.

¿Con quienes te gustaría colaborar en el futuro?

Me encantaría con Rrose, Tadeo, Mr. G o Planetary Assault Systems.

Tu consejo para los productores que quieren hacer tecno

Confía en tu intuición. Nada es demasiado extraño o muy único.

Kontort EP será lanzado el 25 de mayo y puedes escucharlo aquí.

 

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AND THE END OF EVERYTHING: SONIDOS OSCUROS Y DELICADOS

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No es secreto que México está explorando mucho en los terrenos de la música electrónica, la escena left- field crece cada día más y eso nos da muchas opciones para escoger según el criterio de cada quien.

And The End of Everything es de esos proyectos que impresiona el oído por su calidad y fineza. Formado por Alan Aguilar (No Light) y Alfredo Ramírez (Me & Myself), dos jóvenes productores que no tuvieron miedo de explorar sonidos, géneros y gustos personales para crear música oscura y delicada. Finesse Records se encargó de publicar su EP debut, una fusión inquietante inclinada al footwork y al future garage.

Entrevistamos al dúo que hará su presentación junto a otros actos mexicanos en el Mutek Montreal de este año.

¿Cómo nació la idea de hacer música juntos?

Nos conocimos en la escuela y nos dimos cuenta de que teníamos gustos afines y decidimos hacer un track, hubo muy buena respuesta y decidimos continuar haciendo música, aunque no teníamos pensado hacer un proyecto en ese entonces.

¿Cómo definen su sonido?

No nos gustan los “statements”, no podríamos ponerle una etiqueta solo podemos decir que es el conjunto de influencias y la conversión de todo eso a nuestro entendimiento, lo transformamos lo más que podemos, la única característica clara que podríamos mencionar es que es obscura y caótica, a veces muy delicada y a veces intensa, es una montaña rusa!

¿Cómo llegaron a Finesse Records?

Hicimos el primer track juntos titulado “Stuff like that” el cual subí a mi SoundCloud (Me & Myself) y Teen Flirt me contactó para ofrecerme la posibilidad de sacar un EP en Finesse Records, y bueno de ahí nació (técnicamente) nuestro nombre como proyecto juntos, fue como presentar lo que en un futuro podría ser And The End Of Everything.

¿Cuáles son sus expectativas para el Mutek Montreal de este año?

En cuanto a nosotros, estamos ensayanado y mejorando la calidad de nuestras presentaciones, ya que Mutek es un festival muy importante y sobretodo la gente que por lo general asiste a este evento se fija mucho en el performance, lo que nos ayuda en este caso es que tanto a Alan como a mí nos gusta tener un desarrollo extenso en el escenario y eso implica hacer un acto “en vivo” como tal. En cuanto al festival estamos muy emocionados ya que de por si, Mutek Mx nos gusta y asistir a su lugar de origen y ver a artistas que no hemos visto aquí nos emociona bastante.

¿Qué equipo usan para producir su música?

Computadoras (hacemos mucho uso de max 4 live), guitarras, controladores, micrófonos para grabar alguna que otra ocurrencia muy random y uno que otro synth.

Sabemos que la escena electrónica mexicana está desarrollándose mucho ¿Cuáles productores nos recomiendan?

Sin duda, estamos en un punto en el que a muchos les está dando esa curiosidad de crecer como ejecutantes y representantes de distintos movimientos, de distintos géneros y fusiones, podríamos recomendar a D.rnt, Benfika, Space dynamite, Naked Geometry y A-rp.

¿Planes a futuro para And The End of Everything? 

Estamos trabajando de manera muy paciente en nuestro próximo trabajo ya que en este proyecto le damos mucha atención a contar una historia con un trasfondo mas importante (al menos para nosotros) que solo tracks para el dancefloor, eso solemos hacerlo más en nuestros proyectos personales y aun así también lo procuramos individualmente.

 

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ENTRANDO AL MUNDO MUSICAL DE NICOLA CRUZ

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El 2015 marcó el inicio de algo muy bueno para el ecuatoriano Nicola Cruz. Su álbum debut Prender El Alma, fue uno de los más aclamados por su mezcla de ritmos ancestrales, grabaciones ambientales y electrónica, todo esto ligado a la cosmología indígena y a la naturaleza. Su “andes step”, como lo llama Nicola, recorrió gran parte del continente americano y Europa, proyectándolo como uno de los músicos más sobresalientes de nuestros tiempos.

El 2016 apenas empieza y la música de Nicola Cruz cada vez se expande. Nacido en Francia y residente en Quito, Ecuador, en el corazón de los Andes, el productor, músico y Dj amante de los paisajes encuentra el equilibrio perfecto para crear “folktrónica tropical”. Su música es rítmica y a la vez melódica.

¿Cómo empiezas a hacer música?

Empiezo tocando la percusión a los 12 años, y posteriormente me dedico al sonido y la acústica. Más adelante a la composición. Es un periodo largo de evolución. 

¿Cuáles son tus influencias musicales?

Tengo muchas, creo que siempre van variando. Principalmente la música del Pacifico y de los Andes por supuesto. Básicamente todo lo que sienta que tiene una cualidad mística me atrae.

Tu último trabajo “Prender El Alma” ha sido muy bien recibido por la crítica. ¿Cómo fue el proceso creativo a la hora de componerlo? ¿Fluyó desde el inicio?

 Fue un proceso de algunos años en donde desarrolle el concepto. Fue fluído definitivamente. El álbum cuenta con la colaboración de muchas personas, hubo bastante grabación ambiental y experimentación sonora. Intenté ser tan expresivo como pude a nivel de sonido. A nivel de composición, el álbum habla sobre bastantes viajes y experiencias que tuve durante este proceso.

¿Qué se siente que tu sonido “andes step” ya sea reconocido?

Más allá de llamarlo “Andes Step”, es linda la idea de que a la gente le llegue la música que compongo. Muy llenador.

 Dinos 3 compositores que admiras

 Quantic, Matthew Herbert, Shinsuke Matsumoto.

¿Con quien te gustaría colaborar musicalmente en el futuro?

Con Quantic me imagino, hay un montón de músicos regionales con los cuales quisiera participar.

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INTRODUCING NüHN

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Por: Alejandra Díaz

La música de Nühn es perfecta para aquellos viajes largos en los que tienes que pensar muchas cosas, para intimar y para perderte en la delicadeza de sus melodías. El aire se impregna de nostalgia bonita a medida que pasan los minutos y escuchas The Fighter. 

Julio Gutiérrez aka Nühn, es un productor y compositor barcelonés que deposita sus emociones en la música. Melodías cálidas de piano, capas de sonidos sintéticos, misterio y sutileza es lo que podemos encontrar en su EP The Fighter, su último trabajo para Hush Hush Records.

Entrevistamos al compositor para conocerlo un poco y hablar de su sensibilidad musical.

¿Cómo nace tu interés de hacer música?

Mi interés por hacer música viene desde muy jovencito. Recuerdo escuchar cintas de grabaciones de canciones de mi hermana de la radio nacional e imaginarme como si yo fuera el músico actuando ante miles de personas, tenía 13 años. También recuerdo pedir a mis padres una guitarra eléctrica para las fiestas navideñas que nunca recibí por aquella época, se negaron a que iniciase una carrera musical ya desde el principio de forma rotunda, y ¡mírame ahora! jaja.

¿Porqué decidiste llamarte Nühn? ¿Tiene algún significado?

El nombre que da personalidad al proyecto está dedicado en honor a la banda musical islandesa ‘Múm’, fueron los primeros que descubrí o mejor dicho los primeros en impactarme con la tendencia electrónica en grupo/banda musical. También es cierto que las raíces de los países nórdicos en cuanto cómo alimentan la música actual de esas culturas me pierde bastante y me apasiona su sutileza y fragilidad. Son de otro mundo.

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¿Cuéntanos un poco de tu último trabajo ‘The Fighter’?

‘The Fighter’ ha sido un cúmulo de trabajo durante toda la temporada 2014/2015. Empecé a tener atracción por un sonido más extremo de lo que venía siendo Nühn, era un paso más lejos, la textura orgánica invadió todas mis ideas y alcance un cuerpo muy real, dentro de la electrónica pura, buscaba autenticidad, más allá como digo de un simple sonido personal, era improvisación, todo tocado y perfilado, muy tratado, también cohesivo en el enlace de los temas que componían la estructura y conformaban el álbum. Quedé muy contento con el resultado final.

Dinos tres artistas que admiras
Vasili Kandinski, Pink Floyd, y uno actual: James Holden.
¿Con quien te gustaría colaborar musicalmente en el futuro?
 Me gustaría colaborar en un futuro con James Holden. Parece hoy por hoy algo inalcanzable y seguramente lo es, pero lo intentaremos. ‘The Fighter’ tiene mucho que ver con esto.
¿Cómo es tu día normal?
Un día normal en mi vida no sería, es más bien una noche. Y en ella todo fluye con el arte, cada instante.
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ENTREVISTA: AURORA Y LA BÚSQUEDA DE NUEVOS DESAFÍOS

Por: Alejandra Díaz

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Desde Granada, España, llegan los hermanos Javier y Julio Bolívar y Carlos Marqués, quienes forman Aurora. En 2013 lanzaron su primer álbum Géminis (del que amamos la portada) un trabajo inclinado a la psicodelia y el pop bajo la producción de Banin Fraile, de la legendaria banda Los Planetas. Dicha producción los llevo a formar parte de algunos festivales como el Primavera SoundFIB, Low Festival, y Festival Do Norte, además de tocar en el Vive Latino y telonear a Tame Impala en su gira por España.

El año pasado y después de cambios en su formación Aurora hace su retorno con Sílice, su segundo trabajo en largo, el cual fue grabado con la ayuda de Hans Krüger (Delorean, John Talabot). El sonido de este disco es más crudo, minimalista y ecléctico. Aunque sigue manteniendo la esencia melódica del grupo. Sílice representa un cambio de dirección y una búsqueda de nuevos retos.

Featured imageEntrevistamos a los granadinos para conocer más de ellos y de Sílice. 

A nosotros nos gusta saber el porqué las bandas adoptan los nombres, en su caso, ¿Porqué se llaman Aurora?

Queríamos un nombre de mujer y se nos ocurrió este, que al mismo tiempo significa otras cosas, lo único malo es que no permite encontrarnos fácilmente.

¿Cual fue el proceso creativo detrás de Sílice?

La composición duró más, fue más colaborativa que en el disco anterior, de hecho la mayoría de las canciones las terminamos de cerrar durante la grabación e incluso la mezcla. En general, ha sido un proceso más abierto y aparentemente más espontáneo pero si se escucha con atención, se nota que ha habido más trabajo y cuidado.

¿Se puede entender que Sílice es una evolución de Géminis? ¿O son dos discos que tienen su esencia propia?

Como decimos, este nuevo disco es una evolución y al mismo tiempo apunta a direcciones muy distintas de las de Géminis. Poco a poco, nos fuimos cansando de esas canciones y nos dimos cuenta de que queríamos hacer algo distinto, más arriesgado.

¿Quiénes escriben las letras de sus canciones? ¿En que se inspiran?

Las escribo yo (Javier, cantante). Personas que pasan por mi vida, vivencias, sensaciones…Imagino que la misma que el resto. En Sílice las letras han tenido más trabajo de composición.

¿Cuáles son sus influencias musicales?

Una artista argentina que hemos podido disfrutar en directo varias veces (también en el Vive Latino), Juana Molina. Otras músicos que nos gustan son Caribou y Jose Gonzalez, por poner algunos ejemplos.

¿Alguna otra banda de Granada que nos puedan recomendar?

Pájaro Jack, Trèpat y Royal Mail, por decir algunos grupos. Los conocemos a todos y cada uno se mueve en un estilo distinto.

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