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LOS 25 ÁLBUMES DE 2015

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Arte por: Sebastián Benavente

Nuestro resumen de los discos que cautivaron nuestros oídos a lo largo del año.

25. Jamie xx, In Colour [Young Turks]

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Con In Colour, Jamie Smith se proclama como uno de los productores jóvenes más talentosos. Jamie supo colarse en el gusto musical de muchos presentando un álbum digerible, inspirado en la música de baile inglesa. Recurriendo al sampleo en los temas “Gosh” y “Girl”; y apoyándose en Romy y Oliver Sim (sus compañeros en The xx), Fout Tet y Novelist, el londinense logra un trabajo con sentimiento y sutileza.

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24. Neon Indian, VEGA INTL. Night School [Mom + Pop/Transgressive]

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El tercer trabajo de larga duración de Alan Palomo aka Neon Indian, nos remonta a los años ochenta. Un disco largo (catorce tracks) pero para nada aburrido; el disco perfecto para que suene en una fiesta y hacer que los invitados se sientan atraídos por el baile. En VEGA INTL. Night School cada track es excitante. Dale play a “Slumlord”, “Annie”, “Techno Clique” o “Dear Skorpio Magazine”, y tendrás las canciones perfectas para tu próxima playlist. En resumen, disco, funk, techno y mucho sonido sintético ochentero.


 

23. SOPHIE, Product [Numbers]

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La música pop llevada a otro nivel gracias a Samuel Long y su proyecto SOPHIE. Product es un disco lleno de pop cibernético, mucho pitch y sonidos plastificados.


 

22. Chelsea Wolfe, Abyss [Sargent House]

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El título de “La reina de las tinieblas” le sienta bien a Chelsea Wolfe. Su estilo musical muy marcado por el black metal y rock gótico lo expone en Abyss, un disco oscuro, sublime y espléndido.

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21. Björk, Vulnicura [One Little Indian]

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El mes pasado, Björk cumplió cincuenta años, y estamos agradecidos de que exista una artista tan completa y tan compleja como la islandesa. Hablar de la carrera musical de Björk, es hablar de un legado que perdurará por siempre. El noveno álbum de Björk llega con recuerdos, su ruptura amorosa con Matthew Barney y muchos sentimientos por exteriorizar. Vulnicura, que en latín significa “curar las heridas”, nos vuelve a aprisionar con tracks vanguardistas y sensibles que mantienen la esencia musical de Björk.

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20. Rabit, Communion [Tri Angle]

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El productor texano Eric Burton, quien se conoce en el medio como Rabit, hace su debut para Tri Angle Records con un álbum inspirado en la sexualidad, la identidad de género y la manipulación de los medios. Communion representa esa realidad con electrónica experimental intensa y violenta.


 

19. Ash Koosha, Guud [Olde English Spelling Bee]

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GUDD, del multi-instrumentalista y productor iraní Ash Koosha es un claro ejemplo de cómo debe sonar un álbum experimental. Valiéndose de recursos tecnológicos y un alto nivel de detalle, Koosha nos sumerge en un mundo musical alucinante, donde la mente es capturada por sonidos estimulantes.


 

18. Julia Holter, Have You In My Wilderness [Domino]

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Nos encanta Julia Holter por la simplicidad de su apariencia, su hermosa voz y lo mucho que ha logrado en su carrera. Desde el lanzamiento de Tragedy en el 2011, la carrera de Holter ha ido en ascenso. Todos sus álbumes son dignos de ser alabados. Have You In My Wilderness nos muestra a una Julia brillante, con arreglos de cuerdas elegantes, melodías celestiales y aquel resplandor que le impregna a cada canción. Un disco perfecto para los amantes del folk y el art-pop.

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17. M.E.S.H. Piteous Gate [PAN]

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El soundtrack perfecto para una película de ciencia ficción. Cuando escuchas Piteous Gate, te imaginas el planeta tierra desolado, dominado por máquinas y sin rastro de humanos. El miembro del colectivo Janus de Berlín, James Whipple aka M.E.S.H. presenta un álbum debut frío, futurista y ornamentado, donde el diseño de sonido es un componente a destacar.


 

16. Rival Consoles, Howl [Erased Tapes]

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Otro álbum para destacar este año es Howl de Rival Consoles. Nueve tracks son suficientes para llevarnos por ambient, sonidos análogos, distorsión, sintetizadores y loops, es un álbum de música electrónica que posee un sonido sólido. Aunque algunos tracks nos recuerden al estilo musical de Jon Hopkins, Howl posee un orden de tracks bastante aceptable para sentirle el verdadero sabor al disco.


 

15. Nicola Cruz, Prender el Alma [ZZK Records]

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Un disco hermoso que se desplaza por paisajes a través de diez tracks. Nicolá Cruz, nacido el Francia y de padres ecuatorianos, nos regala toda una exploración sonora en Prender El Alma, un título que tiene mucho que ver con la grabación ambiental, Sudamérica y sus viajes. Cuando escuchas el álbum sientes la perfecta unión entre lo tradicional y lo moderno. Un disco delicado que nos regala el pasado y el presente.


 

14. Arca, Mutant [Mute]

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Después de producir para Kanye West y FKA twigs, el venezolano Alejando Ghersi aka Arca, sigue los pasos de su álbum debut Xen para entregarnos Mutant. Tracks disonantes, industrializados y experimentales.


 

13. Lotic, Heterocetera [Tri Angle]

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J’Kerian Morgan se dio a conocer hace un par de años con el colectivo Janus, y lo único que le interesaba era demostrar sus habilidades para producir música sombría. Heterocetera es su debut como Lotic. En él, encuentras grime, hip hop, sonidos punzantes e inquietantes.


12. Homesick, Matrixxman [Ghostly International]

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Charles Duff quien no es nuevo en la escena electrónica, lanza su álbum debut como Matrixxman y entrega un dosis de tecno en Homesick. Tracks que puedes escuchar en la comodidad de tu casa y también en el dancefloor. Este es el tecno que deberías de estar escuchando.


 

11. KODE 9, Nothing [Hyperdub]

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Como dueño del sello Hyperdub y con una carrera que inició en los noventa en la escena dubstep del Reino Unido, Steve Goodman es de los productores de música electrónica más respetados hoy en día. Este año, llegaba su tercer álbum como Kode 9,  Nothing. En una entrevista que Goodman dio a Fact Magazine, explicaba que dicho álbum está obsesionado con los zeros, el prematuro dubstep, soundtracks de horror, samples de librería y el footwork de Chicago. Tracks sobresalientes: “Zero Work”, “Holo”, “Nine Drones”. Nothing es un álbum de idm audaz.

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10. Kamasi Washington, The Epic [Brainfeeder]

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Una travesía “épica de jazz” hecha por el saxofonista Kamasi Washington. Este disco nos lleva por jazz, orquestaciones fascinantes, un poco de funk, gospel y soul, repartidos en tres volúmenes que hacen de The Epic un disco maravilloso.

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9. Helena Hauff, Discret Desires [Werkdiscs/Ninja Tune]

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La productora de Hamburgo Helena Hauff, nos engancha con su debut Discret Desires, un álbum de diez tracks inclinado al electro industrial, el darkwave, el EBM de los ochenta y el avant-garde electro.


 

8. Visionist, Safe [PAN]

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Louis Carnell aka Visionist, entrega un álbum debut con grime, sonidos gélidos, voces afiladas y tracks agobiantes.

“We are taught that a life of no worries is better for us, and therefore we try to create one, that is Safe“.


 

7. Floating Points, Elaenia [Pluto/Luaka Bop]

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Además de ser un compositor de música electrónica, Sam Shepherd es también neurocientífico. Cuando escuchas su debut Elaenia, la suavidad y delicadeza de las melodías penetran en tu mente. El álbum perfecto de música electrónica que estremece sin ser agobiante.


 

 6. The Soft Moon, Deeper [Captured Tracks]

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Deeper es un disco de post punk con elementos oscuros, industriales, experimentales, atmosféricos y electrónicos. Luis Vásquez y su proyecto The Soft Moon logró un trabajo íntegro en Deeper, aunque a veces te recuerde un poco a NIN.


 

5. Jlin, Dark Energy [Planet Mu]

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Cuando Dark Energy empezaba a hacer ruido en blogs y en revistas de música como Fact o Resident Advisor, Jlin Narlei apenas lo creía. La originaria de Indiana, fichada por Planet Mu, demuestra sus habilidades técnicas y musicales en un álbum orgánico impregnado de footwork. Dark Energy tiene un sonido distintivo, es rico en ritmos y posee una extraordinaria producción.


 

4. Lakker, Tundra [R&S]

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Lakker es un dúo de música electrónica proveniente de Irlanda, compuesto por Ian McDonnell y Dara Smith. Tundra es su trabajo para R&S, donde podemos escuchar armonías experimentales finas que juegan entre lo soñador y lo lúgubre.

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3. Prurient, Frozen Niagara Falls [Profound Lore]

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Frozen Niagara Falls de Prurient (Dominick Fernow) es un disco oscuro, gélido, colmado de noise, distorsión, vocales y sintetizares industriales. Un álbum doble brutal.

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2. Oneohtrix Point Never, Garden of Delete [Warp]

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Uno de los sellos más respetados del idm tiene el honor de cobijar a uno de los productores más respetados hoy en día. Daniel Lopatin mejor conocido como Oneohtrix Point Never presenta Garden of Delete, una muestra más de su increíble talento para la composición de música abstracta. Sintes espaciales, su juego con el tiempo, melodías disonantes y voces con distorsión, son algunos de los elementos a destacar en este álbum. Parte del sello Lopatin es construir tracks perfectos, orgánicos y ostentosos.


 

1. Holly Herndon, Platform [4AD/RVNG Intl.]

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La dama de la electrónica experimental Holly Herndon llegó para hipnotizarnos con su impecable manipulación de sonidos, avant- garde, atmósferas asimétricas y tracks abstractos. Platform, su segundo álbum de estudio, nos sigue mostrando a una artista completa, que aprovecha la tecnología para regalarnos música asombrosa.

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OHM: THE EARLY GURUS OF ELECTRONIC MUSIC

leccion auditiva-11Parece un poco inimaginable que a finales de los años treinta varios músicos estaban por sentar la bases de lo que ahora conocemos como “música electrónica. Y precisamente se llama así, porque utiliza instrumentos electrónicos. En esta lección, repasaremos de una forma breve una compilación que seguramente te ayudará a familiarizarte con algunos nombres considerados “gurús” en el amplio campo de la música electrónica.

Tres cd’s forman OHM: The Early Gurús of Electronic Music, que fue lanzado en el año 2000 por el sello Ellipsis Arts (que también le da importancia a la música clasificada como “world music”) y que contiene en forma resumida piezas musicales hechas entre 1948 y 1980. Son más de veinticinco compositores de gran renombre quienes representan a la música “no convencional” en dicha compilación.

Figuras como la virtuosa del theremín Clara Rockmore, uno de los maestros de los sintetizadores Robert Ashley, el pionero de la música minimalista Steve Reich o la inventora del software Music Mouse, Laurie Spiegel están en la exclusiva colección. Básicamente OHM/TEGEM se trata de la música hecha con ruidos, sintetizadores, composiciones abstractas y mucha experimentación.

Una de las piezas más destacadas lleva por nombre “Etude aux chemis de fer” del francés Pierre Schaeffer y trata de una grabación hecha en una estación de Batignolles, Francia, que incluye el silbido de trenes y que pertenece a la serie “Cinq études de bruits” Cinco Estudios de Ruidos (1948). Esta es una pieza de gran importancia porque a partir de ese momento Schaeffer empezaría a manipular los sonidos grabados en cintas magnéticas y a implementar lo que hoy en día conocemos como “clicks and cuts”. Al compositor también se le considerara como el iniciador de la música concreta.

Pauline Oliveros, Maryanne Amacher, Brian Eno, Oliver Messiaen, John Cage (instrumentos preparados) Bernard Parmegiani, Klaus Schulze miembro de la banda de krautrock Tangerine Dream y David Tudor; son algunos de los compositores considerados como pioneros por haber aportado a la música sus métodos únicos e innovadores.

Hoy en día la mayoría de música que escuchamos tiene algo que viene de la los “gurús” de la música electrónica. Hombres y mujeres que revolucionaron el concepto y las reglas de lo que conocemos como “música”. Entonces… ¿Qué se puede definir como música?

 

 

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Yoko Ono y su legado musical vanguardista

leccion auditiva-06Es casi imposible no asociar a Yoko Ono con The Beatles y con la supuesta afirmación de que Ono tuvo algo que ver con la ruptura del cuarteto de Liverpool, misma que Paul McCartney se encargó de desmentir hace un par de años.

Pero una cosa es cierta, desde sus inicios, la personalidad de la artista japonesa está ligada con el arte conceptual y el vanguardismo. Yoko Ono comenzó a transmitir su arte en los años 60’s con el  movimiento artístico vanguardista llamado Fluxus, donde la inspiración iba de la mano con el género noise music, el arte abstracto y la literatura.

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Ono, quien estudió música en Nueva York en los años 50’s, encontró su fuente de inspiración en los músicos vanguardistas de la época como John Cage (música electroacústica) y Arnold Schoenberg (música atonal). El legado musical de la artista, precisamente de trata de toda ese conjunto de ideas abstractas, música clásica, rock  y pensamiento liberal.

Si etiquetamos a Yoko Ono en un género musical, podríamos decir que es muy avant-garde y experimental, aunque también ha navegado por el new wave, el art-rock y la electrónica. Esto lo podemos escuchar en sus discos “Fly” (1971), “Approximately Infinite Universe” (1973), “Rising” (1996), Take Me to the Land of Hell (2013), así como con la banda que formó con John Lennon la Plastic Ono Band más tarde Yoko Ono/Plastic Ono Band.

Con su peculiar estilo para cantar (spoken word) y su voz aguda, el legado musical de Yoko Ono está presente en más de quince álbumes de estudio, más de diez filmes, libros y colaboraciones con otros artistas (Tune- Yards, Sean Ono Lennon, Beastie Boys, The Flaming Lips, Questlove).

En cada una de sus producciones discográficas podemos encontrar una riqueza auditiva un tanto extraña para muchos. Su versatilidad musical es grande. Es capaz de fundirnos en ruidos, tonos agudos y mezclarlos con melodías suaves pero a la vez agresivas. A Yoko le gusta jugar con su voz; reverbs, delays, guitarras, trompetas, saxofones y teclados acompañan su rareza interna. Pero una cosa es de admirar: la mujer que siempre ha estado rodeada de controversias y críticas se ha mantenido firme a pesar de los años.

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El piano preparado de Hauschka

leccion auditiva-05Inspirado en otro gran compositor de música vanguardista John Cage, el pianista y compositor alemán Volker Bertelmann, conocido artísticamente como Hauschka, retoma conceptos de la música minimalista y experimental para crear composiciones de piano “preparado”.

Su técnica consiste en la alteración del instrumento, agregando entre las cuerdas del piano objetos como madera, juguetes, plástico, canicas, etc. para crear vibraciones y sonidos únicos.

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Las composiciones de Hauschka obedecen al término musical Extended Technique, el cual consiste, en la alteración del sonido de los instrumentos tradicionales como guitarras, pianos, voces (gutural/silbido) o por medio de MIDI.

La constante atención en los sonidos, la manipulación y la improvisación, es lo que ha llevado al compositor a crear melodías definidas por él como “puras”. Hauschka tiene en su carrera un total de once álbumes de estudio y el próximo año su nuevo álbum “Abandoned City”, estará disponible el 18 de marzo.

Te dejamos un pequeño video donde el músico habla de su inspiración para hacer música.

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The Haxan Cloak y las atmósferas oscuras

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Por: Andrés Díaz

El 2013 ha visto surgir un nuevo grupo de artistas con una estética y filosofía en común: sin un género concreto que los acoja y a la vanguardia de los avances tecnológicos en producción musical. La revista estadounidense The New Yorker los ha llamado “Los-Que-No-Deben-Ser-Nombrados” y el multi-instrumentalista inglés Bobby Krlic pertenece a ellos. (http://haxancloak.tumblr.com)

Hoy cerramos nuestro artículo de la electrónica del presente y del futuro con otro artista que ha hecho eco en la escena electrónica de occidente por la mezcla sombría de melodías con un toque vanguardista sin precedentes. Con dos álbumes estudio y bajo el nombre The Haxan Cloak, su trabajo está inundado de una atmósfera indudablemente oscura, pero se trata de una oscuridad industrializada, más cercana a una planta nuclear abandonada que a una casa embrujada.

Este año escuchamos “Excavation”, un álbum electrónico-gótico alimentado por reverberaciones, ruidos y manipulaciones de todo tipo (como por ejemplo, los cambios de volúmen de las dos partes de Excavation). El drama creado durante la primera mitad del álbum alcanza una cúspide artística de primer nivel cuando “The Mirror Reflecting” suena en las bocinas. Con “Excavation”, el trabajo de Krlic expande nuestro conocimiento musical hasta llegar a los espacios más retraídos y solitarios de la música. El camino hasta allí es inquietante y tentador a la vez.

Hoy en día gracias a la tecnología podemos manipular cualquier partitura y jugar con tiempos, ruidos, loops, instrumentos y voces. Ya no podemos limitarnos viendo el género “electrónica” como un ritmo puramente bailable. En inglés o en español, músicos con formación clásica y con estudios superiores siguen creando composiciones que sobrepasan la imaginación de quien los escucha.

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